institut-lumiere

Les mots. Ceux qui guérissent et qui renferment les plaies intimes. Ceux à qui l'éciture, dans son silence, ne peut donner vie si ce n'est en faisant appel à la pleine sonorité des voix.
Les maux. Ceux d'une Amérique embourbée dans son déni de la culture. Ceux qui hantent et angoissent les personnes les plus sensibles, des plus fameuses aux plus modestes.

Le cinéma de Joseph L. Mankiewicz : 

Chef-d'oeuvre :

The Barefoot Contessa / La comtesse aux pieds nus (USA, 1954) :

Homme aussi éclairé qu’il est cynique, Joseph L. Mankiewicz réalise dans The Barefoot Contessa le portrait dramatique d’Hollywood. Eclatée, la narration se partage entre trois hommes, trois caractères dont les différences donnent une image complémentaire et additionnée de Maria Vargas, star élue par le cinéma américain après sa découverte en Espagne et un succès au cinéma. Entre les flash-back qui relatent la rencontre de cette belle femme innocente avec le milieu du cinéma, son enterrement a lieu. Le décor et la position des personnages dans cet enterrement sont la clé d’entrée du charme de l’œuvre. La tombe de la défunte est ornée de sa statue sculptée dans un blanc nacré, témoin de sa candeur. Le corps molesté par une mère violente, par le cinéma qui en a fait un objet du désir, et par une mort affreuse, la statue de Maria Vargas surplombe les hommes présents à l’enterrement comme pour les dominer enfin et éternellement. La narration, empruntée par Joseph L. Mankiewicz à son propre frère, Hermann, pour son scénario de Citzien Kane, opère sur l’image de Maria un changement de focale, une multiplicité de point de vue. Pour chaque point de vue, le monde est perçu différemment. Dans cette fluctuation des percepts, Maria Vargas demeure immuable, imperturbablement douce et naïve. Le monde du cinéma, par lequel tout commence, mène l’actrice sincère à une mort inéluctable. Hollywood, que maudissait Mankiewicz, est la machine de la corruption. Harry Dawes, réalisateur ami de Maria Vargas interprété avec élégance par Humphrey Bogart, raconte à son producteur l’histoire de Faust. Le cinéma est le diable là où l’amour véritable se fait dieu. C’est dans le refus violent du diable pour le dieu que Maria Vargas, dans son élan innocent trouvera la mort. Le mélodrame efficace de Mankiewicz, pertinemment porté par une triple narration, est accompagné d’une musique de Mario Nascimbene et dont les accords subtils sont aussi émouvants que la blanche sculpture.

A voir absolument :

Suddenly, last summer / Soudain, l'été dernier (USA, 1959) :

Joseph L. Mankiewicz est de ces rares cinéastes à avoir expérimenté tous les genres, à s’être plié à différents codes, tout en conservant une même idée du cinéma. Entre le mélodrame de The barefoot comtessa et l’épopée de Cleopatra, Mankiewicz réalise un singulier objet aux apparences horrifiques avec Suddenly, Last Summer. Comptant au générique Elizabeth Taylor, Montgomery Clift et Katharine Hepburn, l’œuvre laisse présager un film comme évidemment classique. Or des films du cinéaste, Suddenly, Last Summer est peut-être le plus surprenant. L’étrangeté à laquelle les décors participent, sa folie ambiante qui s’imprègne jusque dans l’interprétation des acteurs (cf. Montgomery Clift) fait du film une œuvre intimement baroque. L’intrigue est celle d’une jeune et belle femme (Taylor) considérée comme folle par sa tante (Hepburn). Un médecin doué (Clift) est chargé par la tante d’effectuer sur la jeune femme une lobotomie. L’opération n’aura pas lieu, le médecin préférant à cette méthode médicale radicale un processus psychologique épulotique. Encore une fois chez Mankiewicz, comme dans People will talk, la parole est une vertu curative. Celui qui parle vrai est sain chez Mankiewicz, au même titre que son cinéma de la parole dévoile en finesse les maux d’Hollywood. D’étonnant dans ce film, ce n’est point cette seule propriété du discours mais bien l’horreur qu’il révèle. Les cris de Taylor sont les alarmes glaçantes qui tétanisent le spectateur. Cette tétanie renvoie directement à son époque. Le film date de la fin des années 50, années durant lesquelles le cinéma se voit bouleversé par un fait avéré au monde : les camps de concentration. Le traumatisme de Taylor ne semble être autre que celui du monde. Mankiewicz, en homme intelligent et en cinéaste doué, trouve dans le classique de son film le moyen de rendre compte du mal de son époque. Le génocide n’est pas explicite, c’est ainsi que le film demeurera très certainement efficace longtemps.

Sleuth / Le Limier (USA, 1970) :

Ultime film de Joseph L. Mankiewicz qui avait laissé le public avec deux de ses plus mauvais films : There was a crooked man (1970) et The Honey Pot (1967), Sleuth s’avère favorablement l’un de ses meilleurs. S’il est l’un des zénith de l’art de Mankiewicz c’est bien davantage que pour sa très intelligente trame narrative. Les retournements de situation audacieux, bien mieux agencé que dans The Honey Pot, s’entassent et s’accumulent jusqu’au crime cynique, note la plus acéré de tout le cinéma de Mankiewicz. Dans cette chute mortifère jusqu’au bas fonds de la fausse noblesse, le film dévoile une certaine accointance qui relie Mankiewicz à Kubrick. Il suffit notamment de voir le labyrinthe liminaire où se cache Laurence Olivier pour comprendre d’où Kubrick tient cette invention finale dans The Shining (USA, 1980). Summum de l’audace mankiewiczienne, le film-clôture de l’œuvre du cinéaste connote curieusement une très grande ouverture, tant que s’en est prophétique. Les tâches d’ombre de cette prophétie «apocalyptique» sont les automates qui jonchent le décor du film. Les yeux rivés sur les jeux perfides du film, le rire bruyant et résonnant qui répandent sur l’intrigue une étrange présence font de l’œuvre non plus un objet de regard mais un objet-regard. Le film nous observe bien davantage que nous l’observons. Le film se rit de notre complaisance à jouir des jeux pervers. L’éclat aveuglant de la réalité est déjà puissant, Mankiewicz le pressant. En général, c’est la télévision que met à mal le cinéaste en adaptant fort bien la pièce britannique d’Anthony Shaffer. La furtivité avec laquelle les automates s’insèrent entre deux dialogues nous rappelle à la présence de l’image. L’image n’est pas un objet de contemplation, elle est aussi dynamique que notre pensée. Pour le coup, nous sommes ceux qui sont regardés, nous sommes les objets, d’autant plus que la narration nous sublime. Un tel rapport n’existait plus depuis Ozu.

The ghost and Mrs Muir / L'aventure de Mme. Muir (USA, 1947) :

No way out / La Porte s'ouvre (USA, 1950) :

Alain Resnais, Joel et Ethan Coen et enfin John Ford s'apprêtent à laisser la place de l'Institut à, des non moins grands, Jospeh L. Mankiewicz, Johnnie To et un stage sur Kenji Mizoguchi animé par Jean Douchet.

Plutôt que de couvrir le blog de textes et d'avis d'appréhension sur chacun de ces cinéastes, mieux vaut vous laisser voir par vous même quelques extraits et bandes-annonces des films, en l'occurence un film de Johnnie To :

Je vous laisse avec ces Images (film sonore américain en couleur de 1972 réalisé par Robert Altman).